Días de difuntos un año más...

Cementerio de San Francisco (Ourense) 

Un año más no quiero dejar pasar estas fechas para recordar, lamentar y reivindicar la escultura funeraria. Además de recordar y valorar su contribución al enriquecimiento cultural y artístico de la Historia del Arte a través de los siglos, lamentar su desaparición de los cementerios sustituyéndola por piezas estandarizadas, carentes de valor artístico y de buen gusto, que algunos justifican como que hemos llegado a la socialización de la muerte. Todos sabemos qué tal afirmación no se corresponde con la realidad. Por último, reivindicar su vuelta pues aunque mi parte más racional me dice que la escultura funeraria ha desaparecido para siempre, mi parte más optimista me insiste en que hay que conservar la esperanza, que llegará un día en que como sucedió con otros tipos de escultura, alguien la adaptará a los nuevos tiempos y volverá. De momento, a pesar de que nuestro nuevo tiempo juega en contra, esforcémonos al menos en preservar este patrimonio existente de gran valor que es la cultura funeraria que nos han legado nuestros antepasados.

Es el siglo XIX el que marca un antes y un después en los modos de enterramientos. El crecimiento demográfico, la salubridad, los cambios y ascensos sociales y las mejoras económicas configuraron los nuevos cementerios, en gran parte como los entendemos hoy, sobre todo en las grandes ciudades.

Se abandonan las capillas funerarias, los entierros en el interior de las iglesias y en algunos camposantos en torno a ellas. La muerte se vuelve más igualitaria solo en cuanto al lugar. Podía parecer que dándose estas circunstancias, la cultura funeraria desaparecería, sin embargo no sucedió así, será la burguesía emergente la que lo va a impedir con su afán, de ostentación, de perdurar y de imitar a la aristocracia.

Surgirá un arte funerario que recogerá el espíritu del siglo y convertirá los cementerios en extensos catálogos de obras historicistas, eclecticistas y más raramente rompedoras. Lo que no deja de ser, a pesar de muchos detractores, un libro abierto sobre esta cultura en el siglo XIX y en las primeras décadas del XX.

Aunque en ocasiones hemos de reconocer que, con el paso del tiempo, la planificación de algunos cementerios se ha vuelto un tanto caótica y el contenido muy heterogéneo, mausoleos, capillas, esculturas, una sencilla lápida de piedra o un túmulo anónimo de tierra, todos conviven y se mezclan en un enredo de fechas, nombres, recuerdos, olvidos, lágrimas  o de flores frescas y marchitas. A pesar de ello, la escultura funeraria logró sobrevivir y nos dejó obras tan bellas y significativas como el mausoleo de la familia Raspail , que conjuga con una depurada técnica decimonónica el adios, el sentimiento y la belleza (del que hablaremos en la próxima entrega).

La vida de Leonardo

Punto de Libro /

Título: La Vida de Leonardo

Autor: Carlo Vecce

Año: 2025

Editorial: Alfaguara

Pág: 686

La vida de Leonardo es la última y quizás la más novedosa biografía de Leonardo. Su autor Carlos Vecce es un gran conocedor del Renacimiento y en particular de Leonardo. E ste autor tiene en su haber numerosas publicaciones sobre el tema, entre ellas su primera novela Caterina, que indaga en los orígenes de la madre de Leonardo . Carlos Vecce ha impartido docencia en varias universidades y en la actualidad es profesor de literatura italiana en la Universidad oriental de Nápoles.

La vida de Leonardo es una biografía que se aleja de los novelado, como sucede en otras obras existentes sobre el pintor, para adentrarse en una investigación más profunda a través de una exhaustiva labor de archivo y de una extensísima bibliografía que va desde la que bebe en las fuentes directas de los legados del artista, hasta la que ha indagado, elucubrando e incluso fantaseando sobre el genio a través de los siglos.

Por todo esto entiendo que la obra sobrepasa, en algunos apartados, el concepto de mera biografía para ir más allá, mientras en otros, como el comentario artístico de algunas obras pictóricas se queda en lo que se puede llamar “comentario estándar “. Ello puede ser comprensible si tenemos en cuenta lo inabarcable de la obra del artista. También se echa de menos que las citas textuales no se acompañen de notas de traducción al español.

Dicho esto, a mí, La vida de Leonardo me ha gustado, es rigurosa y hace aportaciones bien documentadas, pero he de decir que la he disfrutado más como fuente de información sobre Leonardo y su tiempo, que como evasión o biografía al uso.

Mi sugerencia es que estamos ante una obra que requiere poseer un cierto hábito de lectura y tener también ciertos conocimientos del Renacimiento italiano, porque si se desconocen, las continuas alusiones a hechos históricos, personajes o lugares que conforman la vida de Leonardo, se va a ralentizar la fluidez de la lectura que por otra parte recomiendo hacerla sin prisas.

Hojas de Otoño

Autor: John Everett Millais
Fecha: 1856
Medidas: 194 X 74 cm.
Pintura a óleo sobre lienzo
City Art Gallery - Manchester - Reino Unido

La llegada del otoño es un buen momento para recordar esta interesante y bella pintura de John Everett Millais. Este junto con Rossetti y Hunt crearon la Hermanad de los prerrafaelistas (1848-1854), cuyo nombre le viene dado porque defendían y se inspiraban en el arte anterior a Rafael, al que consideraban elegante, ampuloso y vacio. Así, miraron hacia el trecento y quattrocento italiano y hacia los primitivos flamencos. Además rechazaban lo que consideraban que había de convencional en el arte contemporáneo y por lo tanto en el academicismo,  apesar de que Hunt y Millais se conocieron y formaron en la Royal Academy de Londres, en la que Millais había ingresado a los 11 años por ser un niño superdotado para la pintura.

Las características técnicas y formales de este grupo permanecerían en esencia, en la trayectoria posterior de sus integrantes y algunas pasarían a movimientos artísticos posteriores. Se caracterizan en cuanto a color, por el gusto por los colores brillantes, complementarios y claros. También prestan gran atención al detalle. El dibujo es minucioso y de contornos precisos por influencia flamenca.

El contenido era importante para ellos, buscaban mensajes sencillos dirigidos al pueblo con una finalidad moralizante que solían ilustrar con temas bíblicos literarios o históricos.

Cuando Millais pinta Hojas de otoño ya se encontraba alejado del Prerrafaelismo. La duración de la Hermandad, como suele suceder con estos movimientos, fue breve. El pintor gozaba ya del reconocimiento de la Royal Academy y en ella expuso en 1856 el cuadro por primera vez. Además, desde tres años antes era miembro de la institución y en 1896, año de su muerte, fue nombrado su presidente.

Hojas de otoño, fue definida por J. Ruskin, crítico de arte contemporáneo de Millais, como “La perfección de un crepúsculo” y por la esposa del pintor como “una pintura llena de belleza sin tema”. Estas opiniones por parte de dos personas tan próximas al artista, lleva a pesar de que la obra en lo esencial es una búsqueda de la belleza, aunque también, algunos hayan querido ver la presencia de rasgos prerrafaelistas, como lo efímero, la muerte y el paso del tiempo que no son incompatibles con la belleza. Lo que sí es palpable es que aquí no hay preocupación ni por lo moral ni por lo social.

Hojas de otoño, representa a cuatro adolescentes recogiendo y rastrillando hojas en el jardín que amontonan para ser quemadas, tarea esta propia del otoño. Entre las hojas se percibe tenuemente el humo. Las dos jóvenes de la izquierda eran las cuñadas del pintor. La más pequeña, a la izquierda del grupo, come ensimismada una manzana. En este gesto se ha querido ver una alusión al pecado original teniendo en cuenta la formación del pintor, pero también la explicación podría ser más sencilla: una simple manzana, fruta de la estación, recogida en el jardín. La escena se desarrolla en un paisaje escocés, un atardecer otoñal en el que, la luminosidad de la puesta del sol brilla tras la alta línea del horizonte interrumpida por algunos álamos.

En esencia, estamos ante una obra de tema intrascendente en la que prima la belleza a través de los colores cálidos del otoño, que se combinan de forma magistral sobre todo en las hojas amontonadas. La luz incide en tonos amarillentos en algunas de ellas para romper los predominantes verdes y rojizos. También ilumina los rostros y, sobre todo, la cesta y las manos que la sujetan y como olvidar la luz crepuscular a que ya hemos aludido. Desde el punto de vista compositivo parece un ejercicio de búsqueda de la belleza.

Bibliografia básica
Birchall, H.: El Prerrafaelismo, Ed. Taschen
Wikipedia