Madre orando ante la tumba de su hijo

Autor: Cecilio POlá Gallardo (Valencia 1860 - Madrid 1934)

Medidas: 77 x 66 cm.

 Cecilio Plá Gallardo cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de la que años más tarde sería catedrático.

A Pla, como a muchos artistas de su época, la sólida formación académica que poseía le permitió ser polifacético. Así, además de pintor, fue profesor, decorador de palacios e ilustrador de revistas. A lo largo de su vida también participó en varias Exposiciones Nacionales, en las que obtuvo varias distinciones, incluida una Primera Medalla en 1900.

A caballo entre dos siglos Pla se mostró siempre abierto y evolutivo. Así, en 1885, con Lazo de Unión, una de sus mejores obras por su solidez y por el hito que supone al mostrar ya definida la personalidad artística del pintor, pone fin a su etapa más academicista para entrar en una renovación formal de gran versatilidad.

Para muchos artistas en estos momentos, era difícil escapar del sorollismo, la obra de Pla es un testimonio de esa dificultad acentuada, además, en él por tratarse de un pintor tan ligado a la escuela valenciana y al propio Sorolla. A pesar de ello, Pla con su concepción abierta y renovadora del arte, sigue evolucionando y su estilo se vuelve más suelto, propio de un impresionismo luminoso con una interesante vibración del color, para pasar luego al modernismo, respaldado por sus dotes para el dibujo. En su última etapa, vuelve a mirar hacia el Mediterráneo en busca de su luz y de su mar, pero también se va aproximando a las vanguardias a través del expresionismo.

Aunque cultivó varios géneros, donde muestra mayores dotes es en el retrato, sobre todo el femenino, en el paisaje para el que tenía una especial sensibilidad y en las escenas costumbristas en las que se aleja del folclorismo para acercarse más al realismo.

Con Madre ante la tumba de su hijo, Cecilio Plá, al igual que muchos de sus contemporáneos, pone de manifiesto que no se libró de la corriente finisecular que puso de moda una temática melodramática y lacrimógena.

Sobre un fondo crepuscular. desplazada del centro de la composición para dejar ver la luz de los planos del fondo aparece la negra silueta de la madre abatida por el dolor ante la tumba de su hijo. Inmóvil, su atuendo negro y la captación desde un punto de vista bajo enfatizan el volumen de su figura sedente cuya negritud solo aparece rota por el pequeño foco de luz que crean sus manos y el ramillete de flores que sostienen.

En el primer plano, sobre la tumba, la policromía de las flores y la luz de los faroles constituyen el foco de luz más importante. En el otro extremo de la losa, un perrillo blanco juega la doble función de elemento sentimental y también de degradación final de la luz de los faroles. En el plano intermedio, de acentuada oscuridad, los detalles quedan reducidos a puntos cromáticos que crean una cierta vibración luminosa. Por último, en el fondo, el cielo rojo crepuscular con desvaídas nubes envuelve la escena en ese ambiente de silencio y melancolía que transmite al espectador.

A pesar del enfoque un tanto artificioso, la obra consigue despertar el sentimentalismo y la capacidad visual del espectador gracias a la destreza que ya manifiesta el pintor en el uso de la paleta, en el estudio atento al cielo que tanto gustaba a los románticos, en la armonía de los colores y en los efectos lumínicos que, aunque artificiosos, pone de manifiesto el interés de Plá por la luz y el color.

Armiñán, L. de, Pantorba, B. de, El pintor Cecilio Plá, Valencia, 1969.

Gallego Esperanza, M. y otros, Arte privada en Ourense. Cát., Expo. Ourense, 2019

VV.AA., Cecilio Plá., Cát., Exp., Valencia 1993

La Vendimia (Otoño)

Autor: Goya - 1786-87

Medidas: Oleo - 275 x 190 cm.

Museo Del Prado - Madrid 

De nuevo recurrimos a Goya, como ya hemos hecho en La Era (Verano), para darle la bienvenida al otoño. Para ello elegimos este cartón que forma parte de una serie dedicada a las cuatro estaciones y que tenían como destino las paredes del comedor de los Príncipes de Asturias en el Palacio del Pardo, en donde nunca llegó a ser colocado y donde debería formar pendant con la primavera del mismo artista.

Como ya hemos visto en El Verano, estos cartones, que en realidad son óleos sobre lienzo, proporcionaban los modelos a los artesanos tapiceros de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara que había sido fundada en el mismo siglo unas décadas antes. Se conservan  facturas y descripciones de Goya, más como dato comercial que como título de la obra. En este caso en concreto lo describe “representa a una señora con su marido… un niño y una criada con la cesta de uvas”. El que los representados fueran los duques de Alba o Josefina Bayeu, esposa del pintor, son suposiciones posteriores.

Centrándonos ya en la obra y si nos atenemos a su composición se observa que tiene una distribución muy contrastada en planos que la aleja de la concepción neoclásica de la que arranca el pintor en sus primeros años. Por lo tanto observamos:

Un primer plano en el que domina la composición piramidal, cuyo centro es el racimo que les ofrece el hombre y el vértice es la criada que porta la cesta cuya figura se recorta sobre la luminosidad del cielo. La cesta es un auténtico bodegón por sí sola y las uvas son el centro y tema principal de la obra, por ser uno de los símbolos más utilizados como referencia al otoño.

En cuanto a los otros personajes que aparecen en este plano, se percibe sus rasgos aristocráticos, aunque el hombre sentado en el muro sobre la capa vista de majo, moda en boga en ese momento, pero la plata de las hebillas de los zapatos, el fino tejido del casaca y la rica pasamanería que adorna el atuendo, delata su estatus aristocrático. El niño también viste a la moda de estos años en que la comodidad los aleja del encorsetamiento del siglo anterior.

El segundo plano lo separa del primero, que está a un nivel más alto, un pequeño muro. En este plano intermedio aparecen los vendimiadores, uno de ellos se yergue para mirar el grupo del primer plano.

El tercer plano lo definen las montañas que descienden y se alejan desde el lateral derecho hacia el valle, quizás se trate de la Sierra de Gredos, zona conocida y frecuentada por Goya. Este fondo se completa con un cielo azul que parece envolver, junto con las montañas, un foco de luz en el que la degradación del propio azul va dando paso a los rosas, que tanto gustaban al pintor, hasta llegar al amarillo blanquecino que lo convierte en la zona más luminosa.

Todos estos colores sumados al verde del niño el amarillo del majo o el negro de la mujer crean un delicado diálogo cromático en el que los amarillos sugieren la luminosidad otoñal.

La obra, heredera aún de esa delicadeza y elegancia rococó, no oculta la maestría técnica del pintor, tanto a la hora de aplicar esa pincelada plana que rompe con carga matérica al realizar la pasamanería y adornos del traje del majo o esa concepción de plano tan contrastados que citábamos al comienzo.